domingo, 3 de noviembre de 2013

HELIX - WALKIN´ THE RAZOR´S EDGE -1984


Para realizar un análisis objetivo de esta placa habría que retrotraerse al año 1984. El Heavy Metal explotaba mundialmente y una manera efectiva de venderlo era promocionándolo en las emisoras radiales, sobre todo en Norte América. Las presiones de los sellos sobre los grupos por lo general terminaban obligándolos a realizar, o mejor dicho a grabar, canciones que ellos nunca hubiesen registrado, como es el caso de Quiet Riot con "Cum´on Feel The Noize", cover que acabó siendo el mayor éxito de su carrera.
Esta modalidad de registrar viejas canciones "heavymetalizadas" de alguna manera se había convertido en  receta obligada para toda banda que aspirara a lograr un suceso mas o menos rápido. Sumado a esto, cuando los grupos no tenían la capacidad, por llamarlo de alguna manera, de crear sus propios éxitos radiales, se recurría a los "Fabricantes de Hits", seguramente el mas famoso haya sido Desmond Child, los cuales aseguraban transformar en éxito cualquier tema compuesto por  ellos interpretado por la banda que fuera.
Pocas fueron las agrupaciones que se mantuvieron al margen de esta movida y que consiguieron alcanzar la cima  en aquella época, tal vez  Iron Maiden haya sido la única. El resto, tarde o temprano terminaba recurriendo a la ayuda de productores, compositores o vaya a saber que cosa en pos de alcanzar su objetivo.
El caso de Helix no sería la excepción. Ellos venían de ser una modesta banda canadiense, formada en los años setenta y  con un par de discos rockeros en su haber  editados localmente. En el año 1983 lograrían firmar contrato con Capitol Records lo cuál les permitiría registrar un álbum a nivel internacional , "No Rest For The Wicked",  que además de transformarse con el tiempo en el mejor trabajo de la agrupación, los ubicaría en el contexto musical como una banda de Heavy Metal hecha y derecha.
Si bien "No Rest For The Wicked" contaba con un tema ganchero como "Heavy Metal Love", para el nuevo trabajo se necesitaba un hit mucho mas fuerte que pegara de lleno con la sintonía del momento. Para lograrlo se recurrió a la ayuda de uno de estos famosos fabricantes de éxitos de los cuales hablé anteriormente. El elegido fue Bob Halligan Jr., quien venía de apuntalar a Judas Priest en "Screaming For Vengeance" y  en "Defenders Of The Faith".
Este muchacho sería el responsable de crear uno de los éxitos mas entradores de la historia del Heavy Metal : "Rock You".
Escuchar un tema de este calibre a los 11 o 12 años te llevaba a enamorarte automáticamente del Heavy Metal. En primer lugar porque  el metal aún no se había ablandado para vender música en la radio y en segundo lugar porque a esa edad te pegaba mas un "I wanna Rock", un "Rock You", un " I Wanna be Somebody" o un "Mama We´re all Crazy Now" que un "Kashmir" o un "Child In Time" y el que no lo admita es porque no los coreó a los gritos en un ómnibus con sus compañeros de colegio en los maravillosos años ochenta.
La historia de mi amor por "Rock You" está narrada en el post del compilado "Metal Manía" el cuál lo incluía como el tema uno del lado dos. Sin dudas un himno que llevo grabado muy adentro y que a pesar de ser consiente de que se trató de una canción pre-fabricada, siempre  seguiré queriéndola con cierta nostalgia por tratarse de uno de los disparadores principales de mi amor por el Heavy Metal.
El vídeo para televisión no se quedaba atrás, Brian Vollmer, una mezcla de Bon Scott con Michel Peyronel, hacía relucir su famosa dentadura agujereada mientras chicas con  pechos al viento danzaban alrededor suyo al ritmo de un metal sexista hecho para varones... que quieran que les diga, mas no se podía pedir!!!
Por otro lado y como expliqué al principio, este disco además de un hit radial tenía otro elemento para que la receta fuera completa: un cover de una vieja banda hecho a la usanza del Heavy Metal, "Gimme Gimme Good Lovin`" de la banda Crazy Elephant, tema que pegó mucho en USA sobre todo por la versión censurada de su vídeo, la cuál se basaba en un desfile de chicas desnudas en dónde sobresalía la actuación de la por entonces joven actriz porno Traci Lords, famosa por grabar la mayoría de sus películas siendo menor de edad.
Por otra parte un segundo cover, esta vez una balada, también fue incluido en la placa: "(Make Me Do) Anything You Want" de la banda A Foot In Coldwater.
Como se podrá apreciar la discográfica puso toda la carne al asador con este disco que a pesar de todo distó mucho de ser un buen álbum. El resultado fueron 400.000 copias vendidas en todo el mundo y un nombre respetable de allí en mas.
Hélix continuó sumando éxitos con el álbum "Long Way To Heaven" de 1985 a pesar de ir perdiendo lentamente consistencia musical , hecho que se profundizó en su disco de 1987 "Wild In The Streets" lo cual haría que paulatinamente fueran desapareciendo de los radares internacionales a pesar de seguir en actividad hasta el día de la fecha .
Un capitulo aparte en esta historia lo merece el  guitarrista Paul Hackman quien falleciera en 1992 en un accidente de tránsito  similar a aquel en el que perdiera la vida Cliff Burton de Metallica, luego de que  el micro de gira que los transportaba volcara en la ruta expulsando su cuerpo hacia afuera.

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sábado, 7 de septiembre de 2013

BUNKER - DUROS TIEMPOS - 1984


Por si alguno no lo recuerda, Bunker fue una de las  primeras bandas de metal argentino en ser fichada por un sello multinacional, EMI Odeón.
Estaba formada por el inolvidable Horacio Cantini en Guitarra, Héctor Pérgola en voz, Sergio Varela en Bajo, Guillermo Pérez en batería y Victor Rivarola en la otra Guitarra.
Tras el estallido metalero de principios de los ochenta liderado básicamente por Riff y secundado por los marginales V8,  la escena  pesada nacional  comenzó a vislumbrar el nacimiento de bandas como La Torre,  Boxer, Bloke, Mordaz y Bunker, la mayoría emergidas de barrios de clase trabajadora.
Con una idea bastante diferente del rock que sonaba por aquellos tiempos en nuestro país (Seru Giran, Lerner, Baglietto, Mestre, Porchetto, Marilina Ross etc etc), estos muchachos comenzaron a construir prácticamente sin medios lo que años mas tarde terminaría siendo la prestigiosa escena metálica local con bandas que supieron brillar como Alakrán, Kamikaze, 2112, Samson, Idus , LZ2, Hermética (los mas grandes), Devastación, Rara Avis, Chikle y bandas que aún siguen brillando como Rata Blanca, Horcas, Tren Loco, Logos, Malón y el incomparable  grupo Almafuerte , sólo por mencionar los primeros nombres que se me vienen a la cabeza.
El hecho es que para 1984, en pleno furor del Heavy Metal en el mundo, las agrupaciones de nuestra incipiente escena vernácula  lograron captar  el interés de los sellos discográficos locales que vieron en ellas una gran posibilidad de producir dinero, por lo cual entre 1984 y 1985 todas las bandas que nombré al principio, salvo La Torre y Riff que ya estaban en otro nivel, consiguieron acceder a la grabación de su disco.
En el caso de Bunker la diferencia estuvo dada en el apoyo del sello que los contrató, el cuál prontamente logró que la música de la banda sonara en las principales emisoras de rock  del país, sus temas aparecieran en compilados de música internacional como Metalmanía y hasta llegaran a filmar algunos video clips para la televisión.
Si bien los fanáticos mas acérrimos del grupo no verían todo esto con  buenos ojos, la manija que EMI le dio a Bunker hizo, entre otras cosas, que chicos de mi edad que aún no conocíamos la escena, nos entusiasmáramos con la banda y sintiéramos la necesidad de descubrir a otras similares.
El tema que cerraba el lado uno de Metalmanía no era otro que el mismo que daba título al LP , Duros Tiempos, que no desentonaba para nada con la onda del compilado y que dejaba muy bien parada a esta banda que recién daba sus primeros pasos en materia discográfica.
Obviamente que si nos pusiéramos a  analizar esta precaria producción ochentera con el mismo criterio que usamos hoy en día al analizar un álbum de Heavy Metal el resultado sería nefasto.
Este disco no es otra cosa que un fiel documento de su época y escuchado por un oído desprevenido podría resultar líricamente bizarro y musicalmente monótono, pero para aquellos que fuimos contemporáneos a su edición  tiene un valor inconmensurable ya que lo que deja plasmado es de alguna manera el triunfo  de un movimiento relegado y vapuleado como lo fue el Heavy Metal en nuestro país, que por un breve período de tiempo logró compartir bateas con los pesos fuertes de la industria del Rock y el Pop tanto nacional como internacional.
Desconozco que cantidades de copias se vendieron de éste álbum, pero lo que me consta es que  el sello se sintió tan conforme con las ventas que siete meses mas tarde produjo un segundo lanzamiento de la banda, Cirugía Fatal, cuya famosa portada de la enfermera aún sigue siendo objeto de culto .
Luego de esto llegaría la inolvidable presentación en el estadio Obras junto a Riff y Barón Rojo y mas tarde, debido a  diferencias internas, la separación.
Los tiempos estaban cambiando, el fervor por el Heavy Metal parecía haber pasado y los sellos poco a poco retiraban su apoyo a las bandas locales, pero la semilla había sido plantada y pronto el resultado de la germinación sorprendería a mas de uno.
Horacio Cantini falleció a fines de los noventa de causas que desconozco y de los demás integrantes no tengo información salvo de Victor Rivarola que si no me equivoco se desempeña actualmente como profesor de música.
Como balance yo diría que mas que el álbum de una banda, Duros Tiempos es un embrión del Metal Nacional, el cuál por aquellos años  no solo no tenía  una identidad formada ,  sino que recurría ingenuamente  a la copia de bandas internacionales, ya sea en lo musical, en lo lírico o simplemente en la tipografía de sus logotipos  o artes de tapa, pero que con el pasar de los años se fue afianzando hasta lograr una credibilidad que le otorgó respeto, en muchas ocasiones  le brindó éxitos pero  lamentablemente aún hoy en día no logra sacarlo del under.


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domingo, 25 de agosto de 2013

WHITE SISTER - 1984


El álbum debut de esta banda californiana podría catalogarse como un manual de todo lo que debía contener un disco de Hard Rock moderno allá por el año 1984.
Siendo una de las primeras agrupaciones en combinar un poderoso sonido de guitarra con fuertes sintetizadores, White Sister supo convertirse en un referente del "Pomp Rock" como lo sería Shy del otro lado del Atlántico.
Lamentablemente el sueño fue demasiado corto y lo que dejó registrado este grupo no fueron mas que dos álbumes que hoy, 30 años mas tarde, son considerados obras de culto por todos los fanáticos de este singular estilo que brilló hacia mediados de los ochenta.
La historia de White Sister se remonta a principios de esa década en la localidad de Pasadena cuando comenzaron a presentarse como Tyrant, nombre que tiempo mas tarde cambiarían  por Sister al mudarse a Los Ángeles , en dónde se transformarían en  uno de los principales actos de la primera camada de bandas del Hollywood Bvd.
Una noche tendrían la fortuna de cruzarse en una gasolinera con  Gregg Giuffria (Angel, Giuffria, House Of Lords) , el cuál les abriría las puertas de la compañía  EMI América a través del sello Chrisalys Records, convirtiéndose también en productor y principal arreglador de su álbum debut.
A título personal debo decir que la onda de Giuffria nunca me agradó del todo, pero en este disco me sorprendería ya que además de darle rosca a los sintetizadores (como obviamente hizo en todos sus trabajos) también le daría rosca a la guitarra, la cuál, y si el oído no me engaña, en varios temas está afinada en Re (a lo Mick Mars), lo que termina dándole  un tono grave, pesado y agresivo.
Si a estos dos elementos sustanciales le sumamos una batería super-procesada , dos excelentes cantantes alternándose y ganchos a diestra y siniestra, la combinación resulta tan efectiva como espectacular.
El resultado: un auténtico álbum de Hard Rock melódico de mediados de los ochenta. Nada mal para un debut!
El lado uno del disco es realmente increíble, llegando al punto máximo con el tema "Breakin' All  The Rules" para luego derivar en el quinto track, un tema que enseguida uno se da cuenta de que no encaja del todo con la onda del disco y que evidentemente viene de otro lado.
La canción es nada mas ni nada menos que "Whips", tema que venía incluido en Metalmanía edición Argentina como cuarta pista del lado uno.
"Whips" merece un capítulo aparte ya que como mencioné antes, no solo sonaba diferente al resto del material del disco, sino que no había sido escrito por White Sister.
Esta canción, donada por Giuffria, pertenecía a los legendarios Angel, banda de Hard Rock de  los años  setenta en la que él se había desempeñado como tecladista , la cuál  nunca había sido grabada . Hay algunos que afirman que White Sister fue la continuación de Angel, banda que se caraterizaba por su vestuario integramente blanco,  hecho que tal vez  indujera a estos muchachos a colocar el "White" delante del nombre original  que era simplemente "Sister".
Mas allá de lo anecdótico y en  el contexto del  compilado Metalmanía , "Whips" no era un  tema de los que mas brillaba , de hecho  se insinuaba mas cercano al estilo de bandas como Y&T que al de los propios White Sister , pero nos daba la posibilidad de escuchar a un grupo del cuál
-alguno por ahí me corregirá- sus  LPs  nunca se editarían en  la Argentina. Este detalle sumado al olvido que pronto se generó de la agrupación hicieron que  esta placa terminara llegando a mis manos no hace tantos años, luego de buscarla solo por curiosidad , provocándome una gran sorpresa tras la primera escucha al descubrir que se trataba de una banda completamente diferente a la que me había imaginado de chico.
Desgraciadamente la vida de White Sister resultaría ser corta. Luego de este gran debut, el grupo se vería en la necesidad de tener que elegir entre uno  solo de sus cantantes , tal vez por  presiones del sello, el cuál seguramente querría una banda como las otras del circuito en las cuáles se destacaban  solistas de la talla de Vince Neil, Stephen Pearcy, Jack Rusell o Kevin Du Brow.
El grupo entonces optaría por el bajista Dennis Churchill para ese rol, relegando a Garri Brandon simplemente al puesto de tecladista. Obviamente este último no estaría de acuerdo y  abandonaría el grupo en malos términos.
Por otro lado EMI daría por finalizado abruptamente el contrato con la banda , tal cuál  solía hacer con todos los artistas a los  que ellos consideraban problemáticos, provocando la falta de continuidad del grupo, que en una época tan competitiva como fueron los años ochenta, pronto los arrojaría fuera del candelero.
En 1986, fichados por el sello FM,  grabarían una segunda placa que además de ser mucho mas blanda y comercial que la primera no lograría reposicionar al grupo en el lugar que habían estado unos años antes.
Para el año 1989 y ya casi sin posibilidades de éxito, la banda dejaría de existir, dando paso a una nueva agrupación curiosamente formada por los mismos músicos pero con otra orientación musical. Este nuevo grupo se llamaría Tattoo Rodeo, el cuál lograría registrar dos álbumes para el sello Atlantic antes de que la música Grunge acabara con todo a su paso.
A lo largo de los últimos 15 años hubo varios amagues de reunión del grupo . En  2006 falleció su baterista Richard Wright a la edad de 44 , lo que no impidió la realización de un show especial en Inglaterra en el año 2008, el cuál quedaría registrado en un DVD llamado "Straight From The Heart"  del cuál se editarian tan solo 750 copias en el año 2009.
Lamentablemete, el 15 de octubre de 2012, murió también el guitarrista y pieza fundamental, Rick Chadock, quien venía luchando contra el cáncer desde hacía tiempo, lo cuál dejó casi sin probabilidades la posibilidad de una nueva aparición en vivo de la banda.


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sábado, 17 de agosto de 2013

RAIL - 1984


Este Mini-LP de cuatro canciones podría decirse que fue otro de los experimentos que realizó la multinacional  EMI   para colocar uno de sus productos (léase bandas de Hard Rock) en las primeras ligas de ventas de los Estados Unidos.
El proyecto quizás no haya prosperado por la  falta de efectividad del grupo o simplemente por la falta de expectativas de la compañía sobre esta banda . La realidad era que para llegar a ser una banda de Heavy Metal  vendedora en los Estados Unidos en 1984  había que pertenecer a la escena californiana de Los Ángeles, o por lo menos estar ligada a ella, cosa totalmente opuesta en este caso.
La historia es que Rail  ni siquiera era una banda nueva. Estos tipos se habían formado en Seattle  bajo el nombre de Rail & Co. a principios de la década del setenta y su experiencia en el mundo del hard rock era bastante nutrida. Con claras influencias de rock sinfónico y de bandas como Heart, Triumph y por añadidura Led Zeppelin, estos muchachos solían ser acto soporte de prácticamente todas las bandas de Hard Rock de primera línea que aterrizaban en el estado de Washington. De esta manera supieron compartir escenario con Aerosmith, Ted Nugent, Heart y Nazareth  entre otros, lo cuál les hizo ganarse una excelente reputación en ese estado del país.
En el año 1980, y ya despojados del "& Co.", Rail salió de  gira con Van Halen quienes entusiasmados con la banda les ofrecieron ir a Europa junto a ellos. El grupo, que ya se encontraba embarcado a pleno en la grabación de su álbum debut, rechazó la invitación y "Arrival" vio la luz ese mismo año bajo etiqueta propia: Dynasty Records. El  LP logró vender nada mas ni nada menos que 200.000 copias, ayudado por su hit "Hello" que se transformó en una de las canciones mas pedidas en ciertas emisoras de  radio de aquellos tiempos.
Para el año 1983 y contra la voluntad del grupo , su mánager decidió enviar a la flamante señal MTV, el video de "Hello" el cuál participaría de un concurso llamado " MTV's Basement Tapes", una compulsa entre 40.000 concursantes cuyo primer premio sería un contrato de grabación con EMI.
El jurado , conformado por el público de la señal, terminó coronando a Rail como banda ganadora lo cuál los colocó por un tiempo dentro de la lista de los videos más pasados por MTV.
El Mini LP, intentó aggiornar el sonido típico de la banda a los tiempos que corrían. El hit fue por supuesto, el tema "1-2-3-4 (Rock 'N' Roll)" incluido como tercer tema del lado uno en el compilado "Metalmanía" edición Argentina , muestra de que de alguna manera la compañía discográfica intentaba darle publicidad a la banda alrededor del mundo aunque ni el Mini LP ni ninguna de sus otras dos producciones de los ochenta serían jamás editadas por estas tierras.
Realmente no se pueden realizar muchas conjeturas a cerca de un mini álbum de 4 canciones . El objetivo de su edición fue cumplir con el premio prometido ofreciendo todo el aparato promocional de una multinacional pero con ciertos parámetros a cumplir como por ejemplo el cambio de sonido y el cambio de logo entre otras cosas.
En el  tema "1-2-3-4..." no se encuentran demasiadas diferencias con respecto a otros hits radiales de Heavy Metal de la época como "I Wanna Rock", "Rock you", "Mama, We´re all Crazy Now" etc., pero el resto del mini álbum deschava el estilo demodé de la banda la cuál, de haber tenido la misma oportunidad   4 o 5 años antes, hubiese escrito su historia de otra manera.
Escuchando los otros álbumes del grupo se llega a la conclusión de que a pesar de tratarse de una banda de un alto nivel musical, su estilo pasado de moda y su imagen poco marketinera (el cantante parecía un miembro de ABBA!) , no lograron calar en un momento  en el cuál comenzaban a triunfar los excesos y la imagen chocante de los músicos  que se revelaban  contra de las estrictas reglas de la sociedad conservadora  norteamericana.
De todas formas la banda aún hoy sigue en actividad y su reputación dentro de ciertos sectores de público de Hard Rock en  los Estados Unidos sigue intacta.

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domingo, 11 de agosto de 2013

ICON - 1984


Te acordás hermano que tiempos aquellos.....
Afortunadamente el chico que llevo adentro aún sigue vibrando cuando vuelve a escuchar discos como este, fieles testimonios de una época única que ya nunca volverá.
Es verdad!  La escucha de un hombre de 40 es muy diferente a la de  un chico de 13 que generalmente idealiza las cosas , por lo cual volver para atrás en el tiempo  no siempre termina resultando ser  una experiencia gratificante, sobre todo teniendo en cuenta que  muchas de las bandas americanas  de mediados de los ochenta resultaron ser  un fiasco, y que los discos que por ahí en su momento nos volaban la cabeza hoy resulta que  no nos mueven ni un pelo.
No es el caso de Icon, una de las mejores bandas emergidas de la primitiva escena californiana junto a W.A.S.P., Ratt, Mötley Crüe, Quiet Riot , Black And Blue, Great White, Dokken y Stryper entre otras, la cuál, inexplicablemente (o si),  contando con todo el apoyo de un sello internacional no logró consolidarse  y su  paso  por el firmamento hardrockero resultó ser efímero y fugaz, al punto de terminar quedando  en el olvido.
Dudo que gente que no pertenezca a mi generación haya escuchado algo de su música y de hecho hasta dudo de que la hayan sentido nombrar alguna vez, y eso es lo que me gratifica al escribir en este blog, el hecho de desempolvar viejos tesoros y compartirlos es de alguna manera mantener viva una época fabulosa en la que las bandas talentosas afloraban como maleza.
Icon se había formado a fines de los 70 en Arizona bajo el nombre de The Schoolboys. Básicamente se trataba de compañeros de escuela que se juntaban a tocar y que pronto tuvieron la posibilidad de grabar un mini LP y de  aparecer en varios compilados de la época.
Para el año 1984 y ya con el auge del Heavy Metal en los Estados Unidos, Capitol/EMI decide fichar a Icon  junto a otros números prometedores  de la escena como W.A.S.P.  Esta jugada, para nada casual, le permitiría al sello competir contra sus rivales  que ya contaban con ventas multiplatino, caso Polygram con Def Leppard, CBS/Pasha con Quiet Riot o Elektra con Mötley Crüe.
Bajo el ala del descubridor de talentos Mike Varney , Icon se empezó a perfilar como una de las grandes promesas del nuevo Heavy Metal Americano
El molde que se usó para grabar este álbum debut de Icon fue exactamente el mismo que se usó para registrar el álbum debut de W.A.S.P. :mismo año, mismo sonido, mismo sello, mismo productor.
La  voz de Stephen Clifford  por momentos  parece  una mezcla entre Kevin DuBrow y Blackie Lawless  y  muchos pasajes de este  LP contienen una clara influencia de  bandas número uno de ese momento tales como Quiet Riot y Mótley Crüe de la cuál también se imitó de cierta forma el vestuario usado en "Shout At the Devil". Lo distintivo de Icon   fueron las bases rítmicas de guitarra , que se diferenciaron por ser mucho mas ricas que las de sus colegas.
Por supuesto que en esta época todas las bandas de la escena sonaban parecidas , compartían los mismos escenarios y hasta las mismas viviendas por lo cual resulta  muy difícil establecer quien copiaba a quien.
 Volviendo al  disco lo primero que hay que decir es que  contaba con un mega hit pesado: "On Your Feet" , tema incluido en Metalmanía justo después de "Two Minutes To Midnight". El resto del disco era fuerte y bien heavy, sobresaliendo temas como "Under My Gun"o "World War", sólo al final aparecía  una especie de balada " It' s Up To You"  que por supuesto no era de lo mejor del LP.
Icon logró posicionarse en un lugar privilegiado durante 1984 y para el año siguiente decidieron, seguramente con mucha presión de su sello, registrar un álbum mucho mas delicado y comercial.
"Night Of The Crime", uno de los mas refinados álbumes de hard rock que se han registrado en los ´80,  fue el disparador de la salida de Stephen Clifford de la banda, situación  que el sello desaprobó, sobre todo teniendo en cuenta la gran inversión que habían realizado para grabar ese disco. Este suceso determinó la ruptura del contrato de grabación con Capitol Records por lo cuál  el grupo  quedó  prácticamente a la deriva  hasta fines de los ochenta cuando firmaron con Megaforce/Atlantic . Desafortunadamente el tren ya había pasado y a principios de los noventa Icon se disolvió. En 2008 con motivo de la edición de un CD en vivo volvieron a unirse y hace poco S.Clifford, quien se había alejado en 1985 por motivos religiosos, regresó a la banda para continuar realizando pequeñas presentaciones en vivo dentro de los Estados Unidos.
A lo largo de su carrera Icon logró diferenciarse del resto de las bandas gracias al nivel compositivo de sus canciones y a la gran  versatilidad  de Dan Wexler, su principal guitarrista, conocido también  por su trabajo junto a Alice Cooper y por sus  contribuciones  con numerosos artistas tanto como músico  como productor.
Lamentablemente en el mundo del rock, al igual que en la vida, no siempre sobreviven los mejores y ese fue el  caso de Icon , banda que teniéndolo todo para triunfar apenas logró subsistir durante un corto período de tiempo.


ICON: Arriba de I a D : *Stephen Clifford - Voz *John Aquilino- Guitarra * Tracy Wallach- Bajo
             Abajo de I a D: * Pat Dixon - Batería * Dan Wexler- Guitarra
           
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martes, 23 de julio de 2013

METALMANIA - 1984



Enero del año 1986, tenía 13 años recién cumplidos y  hacía apenas un par de meses   que había descubierto a pleno el Heavy Metal. Contaba con apenas un puñado de  discos en mi colección tres de Maiden, dos de Quiet Riot, Fly on the wall the AC/DC , el World Wide Live de Scorpions y pará de contar.
Resulta que mis viejos decidieron pasar ese verano en la quinta de unos conocidos en dónde yo creí que me iba a pegar el embole de mi vida. Me fui muñido de los 2 o 3 cassettes que tenía ( por que yo prefería comprar vinilos) y me llevé el pasacassette portátil de un parlante que tenía mi viejo (de Walkman para esa época ni hablar).
Cuando llegamos esa noche nos empezamos a acomodar y fue ahí dónde me llevé una de las sorpresas mas gratas de mi vida . Sobre un mueble había una caja de zapatos con una serie de cassettes que aún  los recuerdo como si los estuviera viendo : Killers y The Number Of the Beast de Maiden, Creatures Of the Night de Kiss, Bestial de Barrabás (una banda española que a pesar del nombre no tiene nada que ver con el metal), y por último, acaso los dos mejores compilados de Heavy Metal de todos los tiempos: Metal Pesado y Metalmanía.
Automáticamente en mi cabeza desapareció todo el malhumor que traía encima , me encerré en el cuarto que me habían asignado y me puse a escuchar con una avidez que solo los auténticos metaleros sabrán entender, una por una todas las cintas que había encontrado  que, por supuesto, yo no tenía.
Como ya comenté en algún post anterior, mi amor por el heavy metal había nacido ya unos años antes cuando al escuchar la radio o ver la televisión aparecía algo de Kiss, Quiet Riot, Twisted Sister y demás bandas por demás atractivas para los chicos. A partir de los 13 años y ya abandonando la niñez, mi misión se había convertido en  investigar hasta el fondo cuáles eran  y de donde venían todos esos temas que me habían volado la cabeza pero de los cuáles desconocía a sus intérpretes.
Entre estos temas había uno en particular que hacía un par de años había sonado en la radio y  el cuál yo estaba desesperado por encontrar : RAQUEL, de intérprete desconocido.
Esa noche cuando escuché Metalmanía por primera vez  mi alegría fue completa, había descubierto uno de los temas que me había impulsado a enamorarme del metal, y que de ninguna manera se llamaba"Raquel" como yo pensaba . Se trataba nada mas ni nada menos que de "Rock You" de Helix , canción que hizo que Metalmanía se convirtiera en mi álbum favorito durante mucho tiempo.
Luego de esas vacaciones no pude volver a encontrar ese compilado, que había sido editado hacía un par de años y que era muy probable que ya estuviera descatalogado, hasta que un compañero de  escuela lo encontró, allá por el año ´87, en una mesa de ofertas de una desquería de Villa Ballester y me lo compró.
Metalmanía edición Argentina no tenía absolutamente nada en común con el Metalmanía que se había editado en Alemania y en México en 1980.
La edición Nacional era un completo menjunge de bandas y de épocas que hoy en día causaría escozor en más de un aficionado al Metal.
Aprovechando la explosión de Heavy Metal de 1984, EMI Argentina , no sólo había decidido  editar discos de bandas nuevas en el país, sino que había empezado a relanzar viejos álbumes de bandas legendarias como  Deep Purple o  Whitesnake  que jamás habían visto la luz por estas tierras, y  este tipo de compilados servía para  promocionar esos lanzamientos.
El álbum arrancaba con el fresquísimo "Two Minutes To Midnight" de Maiden y de ahí te paseaba por el mundillo de las bandas nuevas norteamericanas : Icon, Rail, White Sister, para cerrar con un temazo de metal nacional , "Duros Tiempos" de Bunker, la inolvidable banda de Horacio Cantini.
El lado dos se iniciaba con mi tema favorito " Rock You " de los canadienses Helix, banda  que nunca llegó a ascender a las primeras ligas, seguida por el cover de los Who "Substitute" interpretado por unos jóvenes Great White,  de ahí en más  la cosa se ponía seria porque lo que seguía era "Warning" de Queensryche, banda que empezaba a   romper con  los esquemas tradicionales  de escritura de canciones , seguido por el clásico "Stormbringer" de Purple y finalizando con el inolvidable "Ain´t No Love In The Heart Of The City" en vivo de Whitesnake.
Por supuesto que, al igual que hice con Metal Pesado, iré subiendo uno a uno los álbumes de dónde salieron las canciones de esta insólita  compilación por lo que ya me explayaré oportunamente con  mayor profundidad a cerca de cada uno de los temas y sus intérpretes.
De más está decir que este blog es un espacio abierto para todos y de la misma manera que muchos hicieron con METAL PESADO, me gustaría recibir comentarios de todos los locos  de los ochenta, que vivieron con el mismo entusiasmo que yo  la mejor época del Heavy Metal y que a pesar de la escasez de medios, la intolerancia de algunos y la subestimación de otros,  se la rebuscaron para seguir adelante con lo que amaban.
Este post va dedicado a todos Uds. que yo sé que son unos cuantos.


ARRIBA: La imagen completa de la tapa del cassette

ABAJO: Tapa y contratapa del Vinilo





En la contratapa del vinilo pueden apreciarse las publicidades de varios álbumes que se editaban por primera vez en el país, la mayoría de los años setenta, además aparece  otra compilación similar a Metalmanía   titulada "Heavy Metal Special" la cuál aún,  no tuve oportunidad de conseguir.

domingo, 2 de junio de 2013

SAXON - POWER & THE GLORY - 1983


Luego de haber editado al hilo tres álbumes clásicos y haberlos coronado con un exitoso disco en vivo, Saxon necesitaba pasar a otro nivel. El fervor y el respeto ya habían sido conseguidos en su país , eran junto Judas Priest, Iron Maiden y Motörhead, los líderes del nuevo movimiento pesado en Inglaterra y ahora debían buscar nuevas fronteras. Era necesario dar el batacazo en USA, que ya les había entreabierto sus puertas luego de la edición de Denim And Leather.
El plan estaba en marcha, Saxon viajaría a América para registrar lo que a mi humilde entender terminaría siendo el mejor álbum de su carrera pero de ninguna manera el pasaje al éxito que tanto deseaban.
Las cartas del destino habían sido echadas tempranamente en la era post-punk, cuando en el Reino Unido escaseaban los contratos de grabación para las bandas de Heavy Metal. Saxon, sin saberlo, cometería el error de firmar con una  pequeña casa discográfica francesa que llegado el momento  poco podría hacer para brindarle a la banda todo lo necesario para lograr una seria difusión internacional.
No obstante eso, para la época de la grabación de Power &The Glory, aún se tenían todas las expectativas puestas en la conquista de América como lo habían hecho Iron Maiden y Judas Priest un año antes.
Por aquel entonces, Saxon se había convertido en una banda escencial en el circuito de clubes del Sunset Bvd. dónde comenzaba a gestarse  un  nuevo movimiento  que mas adelante sería conocido como Hair Metal. Famosas han sido sus presentaciones en el Whisky A Go Go en 1982,  dónde tocarían a sala llena por tres noches consecutivas, superando a bandas locales como Mötley Crüe o Ratt que por aquellos años recién empezaban a despegar.
Justamente en Los Ángeles  fue que Power & The Glory vendería 15000 copias durante la primera semana de haber sido editado. Desgraciadamente su popularidad en esta ciudad no sería suficiente, al igual que  los esfuerzos por  grabar en USA con un productor como Jeff Glixman y las intenciones de comerse crudo al mercado americano, teniendo en cuenta el escaso aparato publicitario provisto por Disques Carrere, su discográfica . Esto provocaría que al año siguiente rompieran contrato con el sello y firmaran con EMI , lo cual tristemente acabaría diluyendo el espíritu que los había convertido en una de las mejores bandas de Heavy  Metal de principios de los ochenta, pero esa sería otra historia.
Volviendo al glorioso Power & The Glory, lo primero que tengo para decir es que es uno de esos discos que se grababan en los ochenta para ser escuchados al palo. El sonido es  ENORME, las guitarras brillan , el bajo es demoledor  y la batería suena con toda la energía del, por aquel entonces, recientemente ingresado Nigel Glockner, un auténtico maestro en el uso del doble bombo, todo lo cuál convertiría a  este disco en  una gema tan solo comparable con grandes trabajos contemporáneos a esa fecha como por ejemplo  Holy Diver de Dio.
Warrior, Midas Touch, Power & The Glory, Watchin The Sky,  ¿quién no querría tener  temas de esta envergadura en un disco? Por otro lado y dejando un poco atrás ese rock pendenciero a lo Motörhead que tanta fama les había dado en su país, reaparecerían en varios pasajes del album armonías arpegiadas y profundos solos de guitarra que recordarían al antológico "Frozen Rainbow", tema que abría el álbum debut de la banda . Para este trabajo además existiría  un notorio  cambio en las composiciones de las letras, cuyas temáticas dejarían de enfocarse exclusivamente  en las motos, el sexo, el cuero , las pandillas y demás artificios del bajo mundo del rock and roll virando hacia temas  de épica medieval, los cuáles servirían de inspiración a las bandas de Power Metal nacidas en la segunda mitad de los ochenta.
Tal vez la producción no haya sido la mejor como han dicho algunos, tal vez haya habido demasiados delays y reverberancias, pero es innegable que se  ha sabido captar la esencia del momento en que fue echo el álbum, representando nada mas ni nada menos que el hambre de una banda  joven dispuesta a llevarse al mundo por delante. Esto lo digo refiriéndome a  los pelotudos de ALLMUSIC que desde una posición soberbia han dicho muy livianamente  que este disco suena como si hubiese sido grabado dentro de una lata y al que han calificado con solo tres estrellas, aún por debajo del inconsistente "Innocence is not a Excuse". Se ve que estos pendejos  "sabelotodo" no tienen ni las mas puta idea sobre el auténtico sentimiento metalero de principios de los ochenta, el cuál se refleja  en cada surco del disco.
Por último , y como una curiosidad de la época, me gustaría recordar que pese a la escases de recursos del sello Carrere, Saxon fue una de las pocas bandas de Heavy Metal  de la cual pudimos disfrutar de casi toda su discografía editada en la Argentina en la década del ochenta. Los discos los publicaba el sello Music Hall en representación de Carrere y me arriesgaría a decir  que seguramente eran la única banda de Rock Pesado internacional en el catálogo de este famoso sello local. El único álbum del cuál no hubo edición nacional  fue "The Eagle Has Landed" y lo mejor de todo  es que los discos y cassettes de Music Hall generalmente los encontrabas de oferta y a la mitad de lo que costaba cualquier otro.

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domingo, 12 de mayo de 2013

IRON MAIDEN - THE NUMBER OF THE BEAST -1982


El pasado 12 de Marzo fue un día negro para todos los que crecimos escuchando Iron Maiden: Clive Burr moría a la joven edad de 56 años producto de una terrible enfermedad contra la cual venía luchando hace mas de una década y a la cual se la conoce como esclerosis múltiple.
Esta enfermedad, además de volverlo un inválido, ya que poco a poco fue atrofiando todos los miembros de su cuerpo, lo había sumergido en importantes deudas debido a  lo extremadamente costoso que resultaba su tratamiento, que por otra parte no le proporcionaba la cura pero si le mejoraba la calidad de vida. Enterados de esta situación, los miembros de Iron Maiden se habían estado ocupando de organizar conciertos a beneficio ademas de re-lanzar viejas grabaciones como el single Run To The Hills cuyas regalías habían sido donadas en su totalidad al ex-baterista.

A modo de humilde homenaje  quisiera  destinarle un espacio en este blog a la obra cumbre de Clive Burr, The Number Of The Beast, no sólo por haber sido  partícipe de su grabación , sino por haber cumplido un papel muy importante en la composición de la misma, siendo co-autor de los temas Gangland y Total Eclipse, quizas el lado B mas importante de toda la discografía de Iron Maiden.

La historia del álbum tal vez sea conocida por casi todos, de hecho existe un DVD de la serie "Classic Albums" el cual recomiendo ver y en dónde el núcleo de la banda cuenta la historia pormenorizada de la grabación del disco en dónde no faltan las anécdotas y  los datos curiosos. De todas maneras es imprescindible mencionar que este álbum, además de ser el primero con Bruce Dickinson como cantante, fue el trabajo que catapultó a Maiden hacia la cima de los charts en todo el mundo y los posicionó como la banda  Nº1 de Heavy Metal de todo el planeta, lugar que ocuparían hasta fines de la década del ochenta.
Observando el concierto del Hammersmith Odeon en 1982, que además de oficiar como presentador de Bruce Dickinson en Inglaterra, daba inicio a la gira del álbum, podremos darnos una idea del poderío sonoro y escénico que tenía Iron Maiden por aquellos tiempos en dónde literalmente sus integrantes salían a devorarse al mundo. La realidad es que no existía banda en aquella época que pudiera hacerles sombra. En 2002 fue lanzado el álbum "Beast Over Hammersmith" conteniendo todo el concierto completo que curiosamente había sido realizado semanas antes del lanzamiento de The Number Of The Beast, y en el que se podían escuchar todos los clásicos del disco. Lamentablemente en esta edición  Steve Harris echó mano a la consola  poniendo  su bajo demasiado al frente (como ha sido su costumbre desde que Martin Birch dio un paso al costado en las producciones)  arruinando, al menos para mi gusto,  la mezcla original realizada por  Daug Hall en dónde se lucía mucho mas el sonido de las dos guitarras . De todas maneras es una grabación obligatoria para todo aquél seguidor de la banda en dónde, por otro lado, se pueden apreciar en detalle  las cualidades técnicas de Clive Burr en vivo.
Otra curiosidad  que vale la pena mencionar es la historia el arte de tapa diseñada  originalmente , que es la que coloqué en la presentación del post. Como todos sabemos esa  NO es la que todos conocemos de los  LP, los Cassettes y los CD que tuvimos en nuestras manos durante décadas. Según el propio Rod Smallwood, mánager del grupo, Derek Riggs había dibujado un fondo en blanco y negro que le daba  un aspecto mas siniestro a la portada pero que  EMI se encargo de arruinar  virándolo al azul tal cual se aprecia en la figura de la izquierda. Afortunadamente esto se pudo revertir en ediciones recientes del álbum en dónde  finalmente se le pudo hacer justicia al "artwork" original.

La importancia de The Number Of The Beast, sin dudas el álbum más sencillo y efectivo en toda la discografía de Maiden , va mucho mas allá de lo meramente musical. "Number..." fue un álbum que marcó tendencia en cuánto a lo sonoro y sobre todo, en cuanto a lo temático, logrando que durante unos cuantos años  Maiden estuviera  en boca de la opinión pública, sobre todo en América, dónde fueron considerados una banda satánica por los ultraconservadores. Famosas han sido las quemas de discos y los constantes intentos de censura por parte de pacatos grupos religiosos que  no hicieron otra cosa que darle  mayor publicidad  a la banda, logrando que una música que claramente no había sido pensada  para las mayorías casi terminara siéndolo.
Para cerrar el capítulo habría que recordar los dos singles promocionales que fueron lanzados en la era de The Number Of The Beast . El primero fue "Run To The Hills" que fue editado bastante antes que el álbum con la intención de que los fans contaran con algo de material nuevo antes de la gira Europea que  había sido pautada para una fecha en la que aún no estaba listo el disco. La aceptación de este sencillo fue inmediata, las localidades para los shows comenzaron a venderse como pan caliente y Run To The Hills trepó al Nº 7 de las listas británicas, una broma para una banda de Heavy Metal en el año 1982. El lado B fue el  potente "Total Eclipse", tema co-escrito entre Clive Burr, Adrian Smith y Steve Harris y pieza fundamental en los conciertos de la gira del '82, el cual, y admitido por el propio Steve Harris, debería haber estado incluido en el álbum en remplazo de "Gangland", otra canción co-escrita por Clive Burr. Este sencillo fue re-editado con temas extra en 2002 con el fin de recaudar fondos en beneficio del ex-baterista del grupo..
El segundo single fue lanzado prácticamente un mes mas tarde que el álbum y se llamó de la misma manera: "The Number Of The Beast" . Llegó a la posición Nº18 de los charts Británicos y  su lado B era una versión en vivo de "Rememember Tomorrow" cantada por Bruce Dickinson, pero lo mas importante fue que se editó  junto al inolvidable video promocional de los bailarines con el  número 666 en sus espaldas, en el cual  años mas tarde se supo, participaba Nicko McBrian disfrazado de diablo.
En definitiva "The Number Of The Beast" ha pasado a la historia no solo  como el álbum clásico de Iron Maiden sino como un álbum fundamental dentro de la historia del Heavy Metal al igual que lo han sido  "Machine Head", "Heaven And Hell", "British Steel", "Ace Of Spades" y tantos otros de los cuáles ahora me olvido y entre los cuales hay dos elementos en común que ya mencioné anteriormente : La sencillez y la efectividad.

                   CLIVE BURR

            08/03/57  - 12/03/13






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domingo, 21 de abril de 2013

HANOI ROCKS - TWO STEPS FROM THE MOVE - 1984



Hanoi Rocks ha sido indudablemente la mejor y la mas autentica banda glam de los años ochenta . Su música, una mezcla entre los Rolling Stones, los Stooges , los NewYork Dolls y los Sex Pistols, con toques de New Wave y pinceladas de Hard Rock, su imagen chocante y su estilo de vida decadente, transformaron al grupo, no sólo en la principal influencia de las agrupaciones glam  Hoollywoodenses de mediados de los ochenta, sino en una de las bandas de culto mas prestigiosas de la historia del rock and roll.
Originarios de las frías tierras de Finlandia y completamente alejados de los radares de los circuitos del rock, estos singulares muchachos dotados de un talento pocas veces visto, migraron de su país natal a principio de los ochenta , primero hacia Estocolmo, dónde vivieron literalmente en la calle y luego a Londres dónde se establecieron definitivamente allá por el año 1982. Fue en esta ciudad dónde profundizaron el abusos a las drogas y el alcohol, lo que provocó la primer gran crisis en el seno del grupo derivando en el despido del baterista Gyp Casino y en el ingreso del singular Razzle en su lugar , quien aportaría la energía suficiente para que la banda siguiera con vida al menos por un par de años mas.
Para el año ´83 y ya con cuatro excelentes álbumes en la calle, los Hanoi Rocks no sólo gozaban de una prestigiosa reputación por sus actuaciones en vivo, sino que ya eran considerados estrellas en Japón y por supuesto en su Finlandia natal. Las maratónicas giras por Oriente y la incesante demanda de una oleada creciente de fans  hicieron que la CBS se interesara por el grupo, el cuál conseguiría grabar su quinto álbum nada mas ni nada menos que con el legendario productor Bob Ezrin (Alice Cooper, Kiss, Pink Floyd, etc), convirtiéndose en el primer trabajo de la banda en contar con  una producción de primer nivel.
El álbum en cuestión se grabó en Toronto bajo la dirección de Ezrin y Andy McCoy, y en la composición  participaron músicos de primera línea como Ian Hunter, Jack Bruce y Pete Brown.
Two Steps From The Move , que por momentos recuerda a los clásicos discos de Alice Cooper, es un álbum diferente a sus cuatro predecesores que se encaró con la consigna de gustar al público norteamericano, logrando que tras su edición se abrieran automáticamente las puertas de USA, dónde se programó una gira inmediatamente.
Si bien para el público en general,  los Hanoi Rocks eran una novedad, algunas bandas como  Mötley Crüe o Ratt ya los tenían bien calados , de hecho parte de su look había sido creado a imagen y semejanza de ellos.
En uno de los shows en Hollywood , Mike Monroe sufrió una fractura, por lo que  debió cancelar una serie de conciertos que ya estaban programados e iniciar una rápida recuperación. Fue durante este impass , que el resto de la banda, que ya era muy amiga de los Crüe , se encontraba de juerga en la casa de Vince Neil, cuando sobrevino la tragedia. Parece ser que durante la madrugada y tras dos días de fiesta ininterrumpida   se acabó el alcohol, por lo cual el inefable Razzle decidió acompañar a Vince Neil  en su Pantera último modelo con el objetivo de conseguir mas. Obviamente ninguno de los dos estaba fresco, por lo que lo inevitable sucedió a las pocas cuadras cuando chocaron de frente  y a  toda velocidad contra otro automóvil, produciéndose la muerte instantánea del baterista de 24 años  y el posterior encarcelamiento del cantante de los Crüe, quien debió pagar una suma millonaria a la familia del músico fallecido y por otro lado debió emprender una rehabilitación obligatoria que lo mantuvo alejado del estilo de vida de sus compañeros durante todo 1985.
Este desgraciado acontecimiento conllevó a  la separación definitiva  de Hanoi Rocks, quienes luego de intentar encontrar un reemplazo adecuado para Razzle decidieron dar un paso al costado al año siguiente. Evidentemente  el papel de Nicholas "Razzle" Dingley dentro de la banda iba mucho mas lejos que el de ser  un simple baterista.
Los Hanoi Rocks apenas pudieron paladear el éxito, pero lo curioso es que enseguida después de su separación se convirtieron en una legendaria banda de culto, siendo  promovidos por gente como los  Guns´n Roses quienes de alguna manera tomaron la posta de su legado. Axl Rose logró que se editaran todos sus discos en USA y varias veces admitió que el grupo fué una de sus principales fuentes de inspiración, de hecho la frase  "Welcome to the Jungle" fue extraída literalmente del tema "Underwater World"  incluído en Two Steps From The Move. Otras bandas que copiaron su imagen y gran parte de su estilo musical  fueron Poison, Faster Pussycat y Shotgun Messiah, sólo por nombrar algunas.
Luego de la separación Mike Monroe inició una exitosa  carrera solista en los Estados Unidos . Andy McCoy y Nasty Suicide formaron Cherry Bombz y participaron de giras junto a Iggy Pop como guitarristas invitados, llegando a visitar nuestro país a principios de los noventa.
En 2002, Mike Monroe y  Andy McCoy lanzaron una versión renovada de la banda que se mantuvo activa hasta 2009,  logrando editar tres excelentes álbumes sustancialmente diferentes a  sus discos de los ochenta.
Tal vez  cuando uno piensa en Hanoi Rocks automáticamente aparece la imagen transformista de Mike Monroe, cantante, armoniquista , saxofonista y frontman  de un talento inusual, pero para los que no conocen demasiado al grupo, el alma matter, el lider musical y el verdadero genio compositivo de Hanoi Rocks  ha sido Andy McCoy. Un personaje sin lugar a dudas genial, con un talento a la altura de un Keith Richard o si se quiere de un Charly García en el caso de músicos locales (incluída caída del edificio). Un tipo que vive, respira y tiene impregnado en la sangre el verdadero espíritu nómade del rock´n roll y que conoce el arte  del blues, la música indú y el flamenco como pocos. Auténtico y despojado de todo cliché , este personaje, que hoy sigue vivo de milagro, debe ser uno de los pocos músicos de los ochenta que aun mantiene un estilo de vida marginal, signado por   el abuso a las drogas y el alcohol y que todavía, gracias a Dios no ha muerto.
Existe una película anglo-finesa  llamada "The Real McCoy", que documenta parte de su estilo de vida en un formato tipo  "reality show" y  en la cuál sobresalen  las escenas de recuperación luego de haber caído  inexplicablemente de un segundo piso en circunstancias mas que dudosas. Lo mas impactante tal vez sea ver a McCoy suministrarse algunas  dosis de heroína en la cama de un  hospital finés  tras una intervención quirúrgica en la que debieron reconstruírle las dos piernas, la cuáles  habían quedado deshechas luego de la  caída. En esta película que mezcla  ficción con  realidad participa Mike Monroe en un par de escenas, lo que  de alguna manera debe haber significado el preámbulo de  la reunión de la banda  en el nuevo milenio.
Hanoi Rocks ha sido por décadas la banda de rock mas importante que ha dado Finlandia hasta la aparición de  grandes   como Stratovarius o Nightwhish , quienes seguramente han vendido mas discos pero que de ninguna manera han conseguido tener por un instante  la magia y el magnetismo que indudablemente tuvieron estos muchachos.


Me pareció importante incluir la fotografía de la contratapa del álbum ya que curiosamente Andy McCoy (izquierda) aparece en ella y no en la portada como debía ser  lógico. En esta edición, por otro lado, en el detalle de la formación del grupo no aparece el nombre de Sami Yaffa .
La versión que subo es una remasterización finesa que contiene cuatro temas extra: Two Steps From The Move - Don´t You Ever Leave Me Baby (12" Version) - Oil And Gasoline - Magic Carpet Ride-






Mike Monroe y Andy McCoy hoy:.....Jagger y Richards un poroto

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viernes, 29 de marzo de 2013

LED ZEPPELIN - 1969


Con una carrera activa de algo mas de 10 años y con mas de 300 millones de discos vendidos en todo el mundo, Led Zeppelin se transformó en la segunda banda de rock mas influyente de todos los tiempos justo después de los Beatles, superando en popularidad a los mismísimos Rolling Stones.
Quizás en Argentina, que definitivamente es un país "rolinga", suene rara esta afirmación, pero aunque parezca mentira  los Stones vendieron muchos menos álbumes, a pesar de llevar 50 años de carrera.
Led Zeppelin ha logrado comercializar mas de  111 millones de discos sólo en USA, en dónde son considerados semi-dioses y dónde su música sigue teniendo la misma vigencia que en la década del 70. El legado musical del  grupo lo podemos encontrar en casi todo el Hard Rock de los 70, los 80 y los 90, época en la cuál la leyenda cobraría mayor fuerza y vigor debido a la popularidad de bandas Grunge cuya influencia principal era justamente Led Zeppelin, lo que propiciaría  la  exitosa reunión de Page y Plant en aquellos años. Pero la historia no acabaría allí,  aún hoy  la  influencia de Led Zeppelin  sigue estando presente en agrupaciones de primer nivel como por ejemplo Black Country Communion, banda en la que  toca Jason Bonham junto a otros tres monstruos del rock  como Glenn Hughes, Joe Bonamassa y Dereck Sherinian.
Todo comenzó en  el año 1968. Jimmi Page, quien ya tenía una gran reputación en Inglaterra,  había dejado The Yardbirds con la intención de formar un grupo llamado casualmente The New Yardbirds. Durante una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en la  que participaban John Paul Jones y Keith Moon , baterista de The Who, este  último bromeó diciendo que el grupo fracasaría y  se vendría abajo como un Zeppelin de plomo (trad. Lead Zeppelin). El nombre le encantó a Page que por consejo de su manager, Peter Grant, lo cambió por Led Zeppelin, ya que en USA la palabra Lead sería pronunciada "Lid" en vez de "Led" como lo hacían los británicos. En compania del  bajista de los Yardbirds, Chris Dreja, y por recomendación de un amigo en común, viajaron a  Birmingham a ver una banda en la que cantaba un tal Robert Plant. Luego del show lo convencieron de unírseles al grupo y este lo hizo con la condición de que aceptaran a su amigo John Bonham en la batería. Poco tiempo después Dreja decidiría  abandonar la música para dedicarse a la fotografía (la foto de tapa de Led Zeppelin I es suya) dejando al grupo sin bajista. John Paul Jones, amigo de Page y reconocido sesionista, se ofrecería a ocupar el puesto siendo inmediatamente aceptado en las filas de Led Zeppelin, conformando lo que pronto se convertiría en la banda de Rock`n`Roll mas grande de la década del 70.
Con una inversión inicial de 200.000 dólares otorgados por el sello Atlantic, que los fichó sin siquiera haberlos escuchado, Led Zeppelin grabó y mezcló su álbum debut en 30 horas, editándolo en el transcurso de una semana. El disco, con un impronta muy blusera que venía de los Yardbirds, incorporaba elementos de rock pesado, música celta y folk, convirtiéndose en el disparador de lo que sería el Hard Rock y el Heavy Metal de los años 70.
Es innegable el hecho de que el tema Dazed And Confused haya sido la influencia necesaria para que Tonny Iommi definiera el sonido de su banda, a la cuál renombraría como Black Sabbath a mediados del '69 y que suspicazmente recreara el riff de esta canción un año mas tarde nada menos que en Paranoid. Por otro lado es públicamente sabido que Richie Blackmore redireccionó la carrera de Deep Purple a partir del surgimiento de la música de  Led Zeppelin, virando hacia el Hard Rock a partir de 1970 con el album In Rock.
Led Zeppelin fue una banda controversial desde el principio: durante la gira promocional del álbum en Dinamarca, el grupo debió presentarse como The Nobs ya que la baronesa Eva Von Zeppelin, sobrina del inventor del dirigible, prohibió  al grupo usar su apellido esgrimiendo que eran unos "monos gritones" y que la tapa del disco era una falta de respeto hacia su familia. Por otro lado, en Singapur se les prohibió la entrada ya que "tenían el pelo demasiado largo".
En Inglaterra la recepción del álbum fue mas bien fría cosa que cambió a mediados de ese mismo año con la edición de Led Zeppelin II, que  los llevó directamente al puesto Nº 1 de las listas tanto en su país como en USA, destronando nada mas ni nada menos que a Abbey Road de los Beatles , permaneciendo allí por 7 semanas.
La leyenda estaba en marcha, pronto Led Zeppelin pasaría a la historia por la genialidad de su música, la magnitud de sus conciertos  y la excentricidad de sus músicos, los cuáles representarían el estereotipo perfecto de la estrella de rock  inalcanzable de los años 70.

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jueves, 7 de marzo de 2013

EXTREME III SIDES TO EVERY STORY - 1992



Para todos aquellos que, como yo, crecieron con el Hard Rock y el Heavy Metal de los años ochenta, los primeros años de la  década del noventa fueron algo así como una estocada en el pecho. Los grandes grupos como Maiden o Priest experimentaban arriesgados cambios de identidad, Metallica dejaba de ser el prodigio del Metal extremo para convertirse en una banda tan comercial como los Guns´n´Roses que precisamente habían dejado de ser los forajidos del Hard Rock para  convertirse en una "Gran Orquesta de Mierda" como alguno los llamó por aquel entonces. Las bandas de Hair Metal intentaban, cual manotazo de ahogado, adaptarse a los tiempos que corrían, pero era inútil, ya se habían excedido tanto en la repetición de su fórmula que nadie quería oír mas de ellos. Las mallas de Spandex  de color y el pelo batido con Spray le dejaban  lugar a los jeans con camisa a cuadros , la raya al medio y la crema enjuague . Había surgido "la música alternativa" que , al igual que el  punk frente al rock sinfónico, le recordaba al mundo que para tocar rock duro no había que ser  un egresado de Berkley, y lo mas cómico es que al principio todo se confundía: aún hoy recuerdo artículos de la revista Metal Hammer que dedicaban carillas enteras a Nirvana, Faith No More o Red Hot Chili Peppers.  La cosa no estaba para nada clara, Anthrax grababa Rap, los Beasty Boys coquetaban con el Metal, Aerosmith descubría la formula de la música pegajosa para adolescentes, Helloween perdía el rumbo, el Thrash Metal se hacía cada vez mas extremo de la mano de Pantera, bandas como Faith No More o Alice in Chains comenzaban a pisar fuerte pero era difícil etiquetarlas como Metal y en ese mismo contexto teníamos como un claro ejemplo a  Extreme que no era ni una cosa ni la otra.
A pesar de que pasaron veinte años , mi sensación sobre aquellos primeros años de la década del noventa sigue siendo la misma. La industria de la música  había decidido que el Metal, tal como lo conocíamos y tal como nos gustaba , ya no era "cool" y eso se ve que  me quedó impregnado en la médula. Hice varios intentos de asimilar lo que  estaba "de onda" pero no hubo caso, en el fondo la situación me generaba odio y rebeldía. Empecé a sentir bronca hacia Metallica, a los  Guns los aborrecía, la música alternativa me parecía toda igual, no podía creer en lo que se había transformado Aerosmith, a Nirvana los ignoraba, los Peppers me gustaban pero obviamente no como banda de Heavy Metal  y a Extreme los tenía muy mal conceptuados. La sobre-exposición de la balada "More Than Words" y su ultra comercial "Get the Funk Out" se habían transformado en un árbol que me impedía ver con claridad el bosque que había detrás.
Pasaron unos cuántos años, hasta  que un día,  luego de escuchar por alguna radio justamente "More Than Words" se generó en mi cierta melancolía sobre aquella  época tan singular y  ya sin los prejuicios de juventud decidí darle una oportunidad al album "Pornograffitti". Mis estúpidos preconceptos me habían hecho desperdiciar la oportunidad de disfrutar de una gran banda de manera contemporánea a su éxito. Enseguida me di cuenta de que todo en la vida tiene un porqué y que seguramente , por más que hubiese comprado el disco en aquellos años , no lo hubiera apreciado como si lo hice 15 años después. Pero mas arrepentido aún, me sentí luego de  escuchar la obra maestra que sin dudas es "III Sides of Every Story", uno de los mejores albumes de rock que se han grabado en los  años noventa,  que a mi entender , representa un viaje por el mundo del rock logrando combinar estilos que van desde el funk hasta el rock progresivo con una maestría inigualable.
El disco,  además de ser el tercero del grupo, se compone de tres partes muy diferentes: la primera (Yours) bien rockera , la segunda (Mine) mas bien  intimista y la tercera (The Truth) una  verdadera épica progresiva.
El eclecticismo de Queen, la sutil pero omnipresente influencia de Led Zeppelin, el sonido de Hendrix, las cuerdas de los Beatles, el desparpajo de Van Halen,el vituosismo de Nuno,la versatilidad de Cherone, el funk, el rap, el rock, las orquestas, lo acústico, lo eléctrico, la melancolía, la euforia, la infancia, la religión, la política, la espiritualidad, el racismo, la fé ,  son algunas de las sensaciones que uno experimenta al escuchar esta obra que a pesar de su magnitud no fue muy bien recibida por la crítica de la época aunque es una clara representación de la misma.
En comparación con su predecesor, este ambicioso trabajo representó un fracaso comercial, algunos afirman que por  no contar con un single fuerte como lo  había sido "More Than Words" , yo creo , mas bien que el nombre Extreme de alguna manera había quedado ligado a la banalidad del Hair Metal y que a pesar de que la música de este disco fue la mas refinada que compuso el grupo, su destino ya había sido escrito grabasen lo que grabasen. Evidentgemente los chicos de la "Generación X" buscaban otra cosa,
"III Sides..." fue  también el último disco que grabó la formación original y el penúltimo antes de la separación de la banda a mediados de los noventa luego de la edición de un deslucido trabajo con mas impronta Grunge que Hard Rock, como lo fue "Waiting For The Punchline".

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martes, 5 de febrero de 2013

QUEENSRYCHE - EMPIRE - 1990



La creme de la creme del buen gusto y la calidad resumida en poco mas de 60 minutos de música en dónde el estimulo auditivo es tan agradable que de a momentos produce cosquilleo y eriza la piel. Una obra maestra que sintetiza lo mejor de Queensrÿche  en su pico de  creatividad y popularidad.
Luego del inigualable pero sórdido "Operation Mindcrime" de 1988, las posibilidades de superación de la banda eran bastante acotadas, sin embargo el poder de reinvención del grupo hizo que emergiera una obra maestra como lo es "Empire",  por momentos mas cerca de  Pink Floyd que  del Heavy Metal, pero definitivamente un gran ejemplo del nivel al que se puede elevar la música  Hard Rock con criterio e inteligencia.
Si tuviera que definir a Queensrÿche como banda , diría que es el eslabón perfecto entre Rush y Dream Theatre,  que en este álbum , que vendió nada mas ni nada menos que tres millones de copias (un número de broma para una banda de metal progresivo) lograron que público de todo tipo accediera a su música , la cual  exhibe un grado de sofisticación imposible de encontrar en  otras agrupaciones de Hard Rock.
Seguramente en su momento muchos fanáticos de la primera época de la banda no deben haber visto con buenos ojos la dirección que acabó teniendo este trabajo, pero hoy en día, y con más de 22 años de edad, resulta casi imposible encontrar un  punto flojo a lo largo de los 11 temas que componen el álbum, que por otro lado, vale aclarar, contiene una mini obra conceptual compuesta por los temas "Jet City Woman", "Della Brown" y "Another Rainy Night (Without You)" que de alguna manera conforman la continuación del concepto de "Operation Mindecrime" .
La portada presenta  cierto grado de dualidad ya que ,a mi entender,  la palabra "Empire"está claramente encerrada en el logo de EMI,  sello discográfico que editó el álbum, lo cuál de ser así, dejaría abiertas interpretaciones de todo tipo.
La producción de Peter Collins, quien trabajó en reiteradas ocasiones con Rush y produjo "Operation Mindecrme",  es inmejorable . El sonido de la batería a lo  Neil Peart y la claridad con la que están grabados los instrumentos deja como resultado un  compendio de tracks de muy alta fidelidad que da placer sentarse a escuchar.
En resumen podría decirse que "Empire" es uno de los mejores álbumes de Hard Rock que se han grabado en las décadas del 80 y 90 y si  tuviese que ponerle un puntaje con un 10 me estaría quedando corto.

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sábado, 2 de febrero de 2013

YANACONAS - 1996




PARA VER RESEÑA IR A ENTRADAS ANTIGUAS AÑO 2010

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PIEL DE JUDAS - HEAVY METAL - 2002





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jueves, 31 de enero de 2013

DIO - HOLY DIVER - 1983


Desde hace tiempo que  tenía ganas de abordar este álbum, ya que no solo fue uno de los primeros y mas influyentes discos que tuve, sino que también le debía un lugar en el espacio de este blog al grandioso e inigualable "enano de la garganta de oro" cuya desaparición física no hizo otra cosa que revitalizar todo su magnífico arte.
Holy Diver , sin lugar a dudas, ocupa un lugar determinante en los cimientos del Heavy Metal, y con el correr del tiempo se ha transformado en un clásico obligatorio en toda discografía pesada además de un modelo a seguir en lo que se refiere a calidad y originalidad compositiva. Todo en él es puro metal y la palabra "metal" en el año '83 era  igual a la palabra "controversia": la portada con el monstruo diabólico castigando al clérigo, las letras cargadas de fantasía y dualidad, la música totalmente renovada y actualizada en comparación a sus anteriores agrupaciones y una puesta en escena que iría creciendo durante los años 80 hasta colocar al show de Dio como uno de los más espectaculares del género pesado.
Holy Diver fue uno de los  primeros discos de Heavy Metal que tuve y llegó  a mis manos a mediados de 1986 de una manera muy graciosa.
Hacía un par de meses que había empezado el colegio secundario y  a la vez el mismo tiempo que no veía a mi gran amigo de aquellos años , Alejandro Eloy , con quién había descubierto hacia unos pocos meses a Iron Maiden y a quien  había dejado de ver porque se había ido a estudiar a otro colegio. Nos encontramos en el cumpleaños de una compañera de escuela que había sido su noviecita en séptimo grado y el llegó a la reunión lookeado de negro,  con remera de "The Trooper" y cinturón de tachas . Por si esto fuera poco, enseguida empezó a hacer alarde de su look y de  su nuevo vicio: había empezado a fumar. Las primeras palabras que me dijo cuando me vio, en relación a mi vestimenta corriente e impersonal, fueron : "¡¡¿¿Que haces vestido así??!!" .
Para un niño de 13 años (de aquella época) existían dos reacciones posibles ante semejantes revelaciones , o huía despavorido y espantado como le paso al 90% de mis compañeros de escuela esa noche , o  reconocía que el muchacho estaba un paso adelante del resto  como hice yo que  pasé  la noche descubriendo las bondades del tabaco y escuchando al palo el cassette que le  había traído como regalo a la cumpleañera que no era otro que Holy Diver de Dio.
Si esta fiesta fue un Sábado yo diría que el Martes siguiente el cassette de Dio ya estaba en mi casa. Claro!, mi compañera no sólo estaba enojada con él porque había dejado de darle pelota sino que lo mas heavy que había escuchado en su vida había sido Madonna, asique no dudó en transferir su regalo de cumpleaños hacia mi persona.
Obviamente que al cabo de unas  semanas Alejandro se enteró y me exigió la devolución de la cinta que igualmente al poco tiempo, y en un gran gesto de amistad,  me volvió a regalar .
Esta anécdota selló a fuego mi amor por la música de este disco que aún hoy me trae esos recuerdos a la memoria cada vez que la escucho.
Invito a los chicos jóvenes a  que vean en YouTube las presentaciones de Dio del '83/'84 y descubran lo increíblemente buena que era esta banda, sobre todo el joven y pirotécnico Vivian Campbell quien con el correr de los años se ha ido eclipsando tras pasar a ocupar un lugar de segundo guitarrista en el almibarado Def  Leppard post-Steve Clark, pero que de alguna manera fué para Dio lo que Randy Rhoads fue para Ozzy aunque las producciones de sus álbumes desgraciadamente no lo demuestren.
Como cierre quiero dedicarle mis respetos a la figura de Ronnie James Dio a quién tuve el privilegio de ver nada mas ni nada menos que junto a Black Sabbath en los años noventa y a quien reconozco no solo como un músico dotado y talentoso sino como un tipo humilde, brillantemente inteligente y por sobre todas las cosas una buena persona que en vida no solo ayudó a colegas y a fans sino que organizó eventos como  el famoso "Hear´n' Aid",  junto Jimmy Bain y Vivian Campbell, cuyos fondos fueron donados a la lucha contra el hambre en África.


          Ronald James Giovanni Padavona

                10 de julio de 1942 -16 de mayo de 2010



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domingo, 27 de enero de 2013

DEF LEPPARD - PYROMANIA - 1983


Hablar del álbum perfecto de Hard Rock sería algo pretencioso además de injusto para los muchos excelentes trabajos que han visto la luz  durante los últimos 40 años . Pero si existiera la receta para lograrlo es indudable que Pyromania de Def Leppard tendría todos los ingredientes necesarios.
Si pensáramos en enumerar esos ingredientes podríamos hablar de varios factores pero sin lugar a dudas todo terminaría resumiéndose en  "estar en el lugar indicado en el momento justo". Cómo se interpreta esto? Fácil: todos sabemos que los Leppard eran una banda interesante y talentosa pero a la vez que no eran ningunos genios. Tuvieron la suerte de cruzarse con el productor "Mutt" Lange quien venía de trabajar con AC/DC y juntos crearon una fórmula que de alguna manera marcaría el rumbo del hard rock y  del power-pop durante los siguientes veinte años.
En qué consistía esta fórmula? Sencillo: al estilo callejero y rockero que tenía Def Leppard, Lange le agregó gancho y mucha producción. Cada parte grabada se estudió minuciosamente y no se dejaron cabos sueltos en ningún lugar. A los sonidos de guitarras rítmicas grandes y pesadas que en conjunto con el bajo sencillo pero demoledor le daban al grupo cierto aire a  AC/DC, "Mutt" Lange  lo combinó con armonías de voces hyper-gancheras y ultra procesadas que rozaban el pop  y agregó un  sonido de batería "casi" bolichero integrando un combo que hizo furor en la época provocando que muchos de los discos de hard rock "post-Pyromania" tomaran ingredientes de esta fórmula, hasta ese momento inexistente.
Pero no solo esa suerte tuvieron los Leppard para convertirse en estrellas. Durante el mismo año del lanzamiento de Pyromania, Quiet Riot había abierto las puertas del metal al publico masivo que ahora estaba sediento de nuevas propuestas  y , aprovechando que hacía poco se ponía al aire la señal de MTV,  la banda (previo paso por la peluquería) se metió como por un tubo en los hogares  norteamericanos. Los Leppard parecían haber sido hechos para ese canal, eran jóvenes, bien parecidos, y contaban con un material preciso para la necesidad de esa juventud norteamericana que durante ese año compraría casi seis millones de copias de Pyromania elevando al grupo hasta la cima de los charts , lugar del cuál destronarían por un tiempo, nada mas ni nada menos que al álbum "Thriller" de Michael Jackson.
El furor por el gupo en USA era tal que comenzaron a venderse como pan caliente las musculosas y los shorts de la bandera británica con el logo de Def Leppard impreso en las mismas. Esta indumentaria, que en un principio era usada solo por Rick Allen  para tocar en vivo, pronto se convirtió en una imagen de asociación directa con la banda.
Los Leppard lo llamaron "la gran broma del rock and roll" . En USA vendían discos por millones y en su propio país apenas lograban vender 2000 entradas para un show!

Pyromania se había convertido en el álbum mas exitoso de Hard Rock hasta ese momento y muchas de las bandas del estilo pronto virarían su timón hacia ese lugar, copiando a los Leppard tanto en lo musical como en lo visual, repitiendo la fórmula hasta el hartazgo. Un nuevo panorama se había abierto dejando el terreno fertilizado para el nacimiento de las bandas hard/pop de "Hair Metal" que subsistirían hasta principios de los noventa y generando  nuevos elementos como un sonido perféctamente identificable  de armonías de voces que lamentablemente  sería copiado por grupos pop pre-fabricados de fines de los noventa como "Five" solo por nombrar alguno.
Por supuesto que en lo personal, si debiera elegir un trabajo de Def Leppard, banda a la que siempre admiré, me quedaría con "High 'n' Dry" de 1981, pero me obligué a subir "Pyromania" por la importancia que tuvo en la historia de la música pesada de los ochenta, mas allá de que por Argentina solo pasó como un álbum mas de Hard Rock que incluso quedó descatalogado al poco tiempo de su edición.
Por otra parte es impresionante la similitud que tiene el dibujo de la tapa con la imagen del 11-S luego del primer ataque a una de las torres del World Trade Center. Se habían dado cuenta?

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sábado, 19 de enero de 2013

BLACK SABBATH - NEVER SAY DIE! - 1978


"Never Say Die!" fue uno de los álbumes mas polémicos que editaron los maestros de lo macabro, creadores indiscutidos del sonido Heavy Metal.
A mediados de la década del 70 y luego de una seguidilla de discos clásicos los problemas de drogas comienzan a hacer algunos estragos en el seno de Black Sabbath , quienes habían empezado a experimentar con nuevas búsquedas en el sonido de su música. El álbum "Technical Ecstasy"  de 1976 mostraría algo de esto y su gira de presentación terminaría siendo poco menos que un desastre, dejando como resultado una banda fracturada por el abuso de las drogas duras y a sus integrantes en una pésima situación financiera tras venir siendo estafados año tras año por su management. Es en este momento que Ozzy decide alejarse por primera vez del grupo y es reemplazado por el ex cantante de Fleetwood Mac,  Dave Walker, con quien la banda comienza a trabajar intensamente y hasta llega a presentarse en un programa de la BBC ejecutando una primitiva versión de "Junior´s Eyes". Pasados unos meses Ozzy decide regresar pero el escenario no era el óptimo: las drogas y la relación tirante entre Osbourne y Iommy generan un mal clima que sumado a las presiones por editar un nuevo trabajo y la necesidad de hacerlo rápido para poder afrontar los costos del estudio terminarían desencadenando lo previsible.
En primer lugar Ozzy se negaría a cantar los temas que había co-escrito Walker con el grupo por lo cual se terminaría cambiando practicamente todo lo hecho, principalmente las letras. En segundo lugar, el material no era el suficiente como para llenar  las dos caras de un LP , motivo por el cuál el grupo, que ya tenía reservado desde hacía tiempo el estudio, se vería obligado a componer  la música faltante durante las sesiones de grabación. Esta necesidad los llevaría a crear rápidamente material que emergería de  un proceso de experimentación con sonidos y estilos muy dierentes al Heavy Metal, como el Jazz Rock, la Fusión y el Rock Progresivo  del cual saldrían a la luz algunas composiciones  interesantes pero en realidad  poco maduradas y por momentos algo desenfocadas. Para el proyecto se contó con la ayuda de Don Airey en los teclados y de un arreglador que ya venía trabajando con ellos desde "Sabbath Bloody Sabbath", Will Malone. (Sí, el mismo tipo que produjo el album debut de Iron Maiden).
Dentro de este contexto hubo un tema que se usó para completar el disco y en el que Ozzy se negó a participar ya que había sido escrito por Walker . La canción en cuestión era "Swinging the Chain" que se publicó como el último track del LP y fue cantada por Bill Ward.
Para entender un poco mejor  el porqué de estos apremios a pesar de que Black Sabbath era  una banda  ya consagrada tendríamos que situarnos en la época. Agrupaciones  como Deep Purple (que ya había desaparecido), Led Zeppelin y Black Sabbath estaban en plena cuesta descendente, desplazadas principalmente por el movimiento Punk y por la aparición de nuevas bandas de Hard Rock y Heavy Metal como Kiss, Judas Priest, Mötorhead y Thin Lizzy. Esta situación influía decididamente en el apoyo económico que podía llegar a brindarles el sello discográfico y era por esto que la agrupación pensaba mas en como costear la  factura del estudio que en la música que se estaba registrando, descontando que además existía una imperiosa necesidad de renovar y modernizar el sonido del grupo de manera que resultara  mas atractivo  a los oídos de las  nuevas generaciones de público.
De mas está decir que el álbum resultó ser un fracaso al igual que su gira. En USA se les ocurrió llevar como acto soporte a unos chicos nuevos de California llamados Van Halen, quienes noche tras noche se encargaron de eclipsarlos con su apabullante energía y su  increíble destreza.
Luego del tour, en el cual se tocaron solamente dos o tres temas del álbum, Ozzy decidió abandonar definitivamente el grupo lo que abriría un nuevo capítulo tanto para él como para Black Sabbath.

Hoy en día y ya con 35 años de edad "Never Say Die!" es una pieza en la discografía de Black Sabbath que merece ser escuchada y disfrutada mas como una rareza que como un paso en falso. Aquellos que aman la música y no viven encasillados dentro de un estilo, eseguida van a apreciar esta obra que es el producto del talento de  cuatro tipos, que dentro de un contexto de mierda,  registraron un album que causa placer escuchar y que por momentos se acerca a la música de mounstros del Jazz Rock como Al Di Meola o los Braker Brothers.



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